JUNIO: EL COLOR

Donde hay luz, hay color. La percepción de la forma, profundidad o claroscuro está estrechamente ligada a la percepción de los colores.


Les photographies de Yann Arthus-Bertrand. Vistas desde el cielo

El color es un atributo que percibimos de los objetos cuando hay luz. La luz es constituida por ondas electromagnéticas. Esto significa que nuestros ojos reaccionan a la incidencia de la energía y no a la materia en sí.
Las ondas forman, según su longitud de onda, distintos tipos de luz, como infrarroja, visible, ultravioleta o blanca. Las ondas visibles que nuestros ojos captan son aquellas cuya longitud de onda está comprendida entre los 380 y 770 nanómetros, y comprenden el espectro del arco iris.
Los objetos devuelven la luz que no absorben hacia su entorno. Nuestro campo visual interpreta estas radiaciones electromagnéticas que el entorno emite o refleja, como la palabra "COLOR".
El color de un objeto es la propiedad que tiene éste de absorber una determinada cantidad de luz y rechazar otra.

Artísta y activista social, Nicolás García Uriburu se centra en la defensa del medio ambiente mediante diversas acciones.

La primera experiencia a gran escala la realizó en Junio de 1968. Durante la Bienal de arte de Venecia, coloreó de verde los 3 km de agua del Gran Canal como protesta por la polución de sus aguas.

A modo de protesta para reclamar el saneamiento definitivo del Riachuelo, el artista plástico, acompañado por activistas de Greenpeace, tiñó de verde las aguas en la Vuelta de Rocha.

Christo

"El muro" -13,000 barriles de aceite,
gasómetro, Oberhausen, Alemania. 1999. Land art
Foto: Wolfgang Volz

Uno de los más originales y destacados del panorama actual es Rafael Lozano Hemmer. Por su uso creativo de la tecnología combinando luz, Internet, computadora, efectos interactivos, para expresarse artísticamente Lozano Hemmer, el creador electrónico nacido en México y residente en Canadá y Madrid, deslumbra en la esfera internacional a los públicos más variados. Recurre a la arquitectura, el teatro, y la performance así como a la instalación y todos los medios a su alcance de la tecnología.

En “Alzado Vectorial” realizó una obra interactiva para celebrar el comienzo del 2000 en México D.F. Eligió el emblemático Zócalo. El espacio en internet www.alzado.net permitía a cualquier internauta diseñar esculturas de luz sobre la plaza del Centro Histórico con 18 cañones de luz localizados allí. La luz era visible a 15 kilómetros a la redonda y se controlaba por un programa de realidad virtual y se veían por tres cámaras digitales. En México participaron 800,000 personas de 89 países .

Splotch #3 (MANCHA), 2000
Sol LeWitt (American, b. 1928)
Acrylic on fiberglass; 3 ft. 4 in. x 12 in. x 3 ft. 8 in.
The LeWitt Collection, Chester, Conn.

Splotch #15, 2005
Sol LeWitt (American, b. 1928)
Acrylic on fiberglass; 12 ft. x 8 ft. 4 in. x 6 ft. 8 in. (365.8 x 254 x 203.2 cm)
The LeWitt Collection, Chester, Conn.

Sol LeWitt

Retablo mayor en la Catedral de Cuzco, Perú

El color dorado sobre la madera resplandece como el sol para los aborígenes

Fiesta de la Candelaria en Puno, Perú

Ernesto Neto

Henri Matisse. En 1950 decoró la capilla del Rosario de los dominicos de Vence, en la obra que mejor expone su tendencia simplificadora hacia formas más planas.

Propiedades del color
Las definimos como Matiz, Saturación y Valor.


MATIZ, tono (hue), o croma es el atributo que diferencia el color y por la cual designamos los colores: verde, violeta, anaranjado.


SATURACIÓN: (saturation) es la intensidad cromática o pureza de un color


VALOR: (value) es la claridad u oscuridad de un color, está determinado por la cantidad de luz que un color tiene. Valor y luminosidad expresan lo mismo.

COLORES PIGMENTO y El Circulo Cromático

El circulo cromático es una gráfica en la que se ordenan e interrelacionan los colores del espectro y sus derivaciones, definiendo así sus múltiples transiciones. El círculo cromático, también llamado círculo de matices, rueda cromática o rueda de color es el resultante de distribuir alrededor de un círculo, los diferentes colores que conforman el segmento de la luz visible del espectro solar, y manteniendo el orden correlativo de rojo, naranja, amarillo, verde, azul y violeta.

Teóricamente un círculo cromático de doce colores estaría formado por los tres primarios (rojo, amarillo y azul), entre ellos se situarían los tres secundarios (naranja, verde y violeta) y entre cada secundario y primario el terciario que se origina de su unión (naranja rojizo, naranja amarillento, verde amarillento, verde azulado, violeta azulado y violeta rojizo).

Partiendo del circulo cromático se crean ciertos tipos de relación entre los colores, éstas relaciones son de complementariedad o de analogía, y los grupos de colores que tienen éste tipo de relación son llamados colores complementario o colores análogos, respectivamente

Colores complementarios: también llamados colores opuestos, son los que se encuentran diametralmente en el lugar opuesto del circulo cromático (a 180º el uno del otro).
Son el color mas contrastante el uno del otro y mezclados en igual proporción dan como producto un color neutral (tierra, gris o negro). Esto se debe porque sumando ambos colores tenemos la suma de todos los primarios en igual proporción.

Colores análogos: son lo que en el circulo cromático se encuentran a cada lado de un color o que a lo sumo forman angulos de hasta 120º en el circulo.
Estos son los colores que entre si dan mayor sensación de armonía, y se los suele unir en ''gamas''
Por ejemplo los análogos del naranja serian el rojo y el amarillo, o en un sentido mas restrictivo los análogos del azul serian el verde azulado y el violeta azulado.

Colores complementarios cercanos, o secundarios: los colores complementarios cercanos o secundarios de un color, son el par de colores que están a cada lado de su color complementario.
Por ejemplo los colores complementarios cercanos del verde serían el naranja rojizo y el violeta rojizo, como se observa en el tercer círculo.

Dobles Complementarios: son dos parejas de colores complementarios, siendo un color de cada pareja análogo a uno de los colores de la otra pareja de complementarios
Por ejemplo el violeta rojizo, el verde amarillento, el naranja amarillento y el violeta azulado son dobles complementarios porque el violeta rojizo y el verde amarillento son complementarios al igual que lo son el naranja amarillento y el violeta azulado, y violeta azulado y verde amarillento son análogos al igual que lo son el violeta rojizo y naranja amarillento, como se puede apreciar en el primer círculo a la izquierda.

Triadas complementarias: son tres colores equidistantes entre si en el circulo cromático (estando a 120º unos de lo otros), y al igual que un par de colores complementarios la mezcla de una triada complementaria en iguales proporciones da como producto un color neutral ya que es la suma en iguales parte de los tres primarios.
Por ejemplo el verde, el violeta y el naranja hacen una triada complementaria.

ESQUEMA DE CONTRASTES
El contraste se produce cuando en una composición los colores no tienen nada en común o no guardan ninguna similitud. Johannes Itten propone siete esquemas de contraste1 que, para una mejor comprensión, se ejemplifican a continuación, con obras de arte que representan claramente dichos esquemas:

Contraste de colores puros
Es el contraste de matiz o tinte. Se produce por la aproximación de cualquier color a su más elevado punto de saturación. Así pues el color tendrá un efecto energético y ruidoso, cuando nos acerquemos a los colores primarios, mientras que se irá atenuando cuando más nos alejemos de éstos.

The Night Cafe (1888) de Van Gogh

Contraste de claro-oscuro


Contraste de cálido-frío
Es el contraste de temperatura, producido al confrontar un colores cálidos con otros fríos. Se acentúa a su vez, por el contraste de claro-oscuro. Un ejemplo de este contraste, lo encontramos en Atardecer en Venecia (1908) de Claude Monet.

Contraste de complementarios
Es aquel producido por dos colores diametralmente opuestos sobre el círculo cromático.
Conviene que uno de ellos sea un color puro, y el otro esté modulado con blanco o con negro. El tono puro debe ocupar una superficie muy limitada, pues la extensión de un color en una composición debe ser inversamente proporcional a su saturación. Un ejemplo de este contraste es The Effect of Sunlight on the Banks of the Loing (sin fecha) de Francis Picabia.

Contraste simultáneo
Llamado también efecto de la imagen persistente, es el fenómeno según el cual nuestro ojo, para un color dado, exige simultáneamente el color complementario, y si no le es dado lo produce él mismo. Consecuencia inmediata del contraste de complementarios, se produce no “en presencia” sino “en ausencia” del complementario (cada color produce simultáneamente, la ilusión de su propio complementario con el fin de mantener el equilibrio).
Otra consecuencia del contraste simultáneo es que un color aparezca como más claro o más oscuro dependiendo del tono del color que lo rodea.

Contraste de calidad
Hace referencia al grado de pureza o de saturación de los colores (intensidad cromática). Los colores del prisma poseen el máximo de saturación y luminosidad. Se origina de la modulación de un tono puro, saturándolo con blanco, negro o gris. El contraste puede darse entre colores puros o bien por la confrontación de éstos con otros no puros. Los colores puros pierden saturación cuando se les añade negro, y varían su saturación mediante la adicción del blanco, modificando los atributos de calidez y frialdad. Un ejemplo de este contraste es la obra Foggy Bank Rocky Neck (1916) de John Sloan.

Contraste de cantidad
Mientras que el contraste de calidad afecta la saturación de los colores, el contraste de cantidad lo hace sobre las dimensiones del campo, sobre la cantidad. Es la contraposición de lo grande y lo pequeño. Este tipo de contraste puede alterar o exaltar todos los demás contrastes, para ello se modifican las proporciones de los colores para una mayor amplitud y profundidad. Un ejemplo de este contraste lo encontramos en Paisaje con la caída de Ícaro (1558) de Pieter Brueguel.

1.ITTEN, Johannes, The art of color; the subjetive experience and objetive rationale of color. Reinhold Pub. Corp., 1961, Nueva York – E.E.U.U. [↩]

MAYO: La Materia

"El gran trabajo es evitar esta infernal comodidad del pincel. Es preferible una materia difícil de trabajar; como si fuera mármol. Volverla rebelde, para vencerla con paciencia"
Delacroix

La materia es el primer elemento plástico sin el cuál sería imposible concebir la existencia de una obra pictórica. Es imposible concebir una materia que no esté insertada en una forma, ya que todo lo que es presupone una FORMA (retomando el tema del mes pasado).
Esta sustancia primordial, LA MATERIA, es el ente que permitirá al pintor concretar su sentimiento vital, en la creación de una realidad llamada cuadro.
En la materia pictórica se encuentra en estado potencial la forma. Cuando la materia se somete a la voluntad del artista, pasa de constituir un medio a consituir la propia expresión lograda.
La materia resulta el elemento fundamental, un sello de identificación entre el artista y lo más íntimo de su ser. La pincelada delata la intimidad del pintor. La energía del artista solicita una materia, pero ésta será distinta según las características de la exigencia. Pincelada y materia son inseparables, una es el barro de la creación y la otra es el modo de trabajar ese barro. En el encuentro, barro y acción silencian sus voces para que hable la obra.

Vincent Van Gogh

Noche estrellada

1889. Óleo sobre lienzo. 73,7 x 92,1 cm. Museo de Arte Moderno. New York. USA.

A diferencia de sus amigos Gauguin y Bernard, que estaban elaborando una pintura de contenido simbolista, fruto de su imaginación y no inspirada en modelos reales, Vincent se decanta por el contacto directo con la realidad, pero ésto le supone un problema ya que le resultaba difícil representar el cielo nocturno, para ello ideó un sistema tan extravagante como ingenioso: colocó velas encendidas en su sombrero y pudo así realizar la primera obra nocturna al aire libre de la historia.

Sin embargo, y a pesar de haber trabajado al natural, el resultado es cualquier cosa menos realista, la poderosa imaginación del autor transforma la vista nocturna en una especie de acontecimiento cósmico donde el cielo parece iluminado por multitud de cometas que giran vertiginosamente, creando una serie de remolinos de luz, haciendo que el pueblo parezca sumergido en una atmósfera sobrenatural.

La composición del cuadro es magistral, la línea diagonal de las montañas, las ondulaciones amarillas de los astros, las pinceladas espirales que forman los árboles diseminados entre las casas, mientras que el largo tejado en punta del campanario rima con la forma del solitario ciprés, cuya silueta cierra la escena en primer plano.

Noche estrellada sobre el ródano

1888. Óleo sobre lienzo. 72.5 x 92 cm. Museo de Orsay. París. Francia.

Los impresionistas destacan por su especial interés hacia la luz. Si Monet se preocupa por captar las diferentes luces en las distintas horas del día, Van Gogh se sentirá atraído por las luces nocturnas, ya sean las estrellas como en este caso, o las luces de gas del Café nocturno. Bien es cierto que las luces artificiales también las observamos aquí, reflejadas en las aguas del Ródano. En primer plano aparecen un par de figuras, contemplándose tras ellas el espectáculo del río semi-iluminado y las siluetas de algunos edificios de Arlés al fondo. Pero lo que llena de sentimiento a la escena son las estrellas, rodeadas de un halo amarillento, como si Vincent plasmara en ellas todos sus deseos. Los tonos empleados son oscuros, consiguiendo crear un efecto especial con los amarillos y verdes, dominando a los azules oscuros. La pincelada que Van Gogh muestra es muy particular, con pequeños toques de color, formando facetas que organizan rítmicamente la composición. La pincelada depurada y relamida del academicismo ha sucumbido ante el genio explosivo de los artistas impresionistas y neo-impresionistas.


Turner

El incendio de la Casa de los Lores y de los Comunes, 16 de Octubre de1834

Joseph Mallord William Turner. Es considerado un artista romántico del paisaje inglés, cuyo estilo condujo a la fundación del impresionismo.

El artista «que más conmovedoramente y acertadamente puede medir el temperamento de la naturaleza».

Turner es un pintor romántico interesado en la filosofía sublime; retrata el asombroso poder de la Naturaleza sobre el Hombre. Fuegos, catástrofes, hundimientos, fenómenos naturales son descritos por el pintor. En sus lienzos, constata que la humanidad no es más que un conjunto de peones de la Naturaleza. Como otros románticos, considera el paisaje natural como un reflejo de su humor. Turner mostró el poder violento del mar, como en 'Dawn after the Wreck (1840) o el Barco de Esclavos, 1840.

Sus primeros trabajos, como Tintern Abbey (1795) o Venecia: S. Giorgio Maggiore (1819), conservan las tradiciones del paisajismo inglés. Sin embargo, en Aníbal atravesando los Alpes (1812),

Anibal atravezando los alpes

su énfasis en el poder destructor de la naturaleza ya empieza a surgir. Su peculiar estilo de pintura, el cual se caracterizaba por el uso de técnicas exclusivas de la acuarela en la ejecución de sus obras pictóricas al óleo, generaba luminosidad, fluidez y efectos atmosféricos efímeros.[3]

En sus últimos años, empleó cada vez menos óleos, y se centró en la luz pura, en los colores del reflejo. Ejemplos de este estilo tardío son visibles en Lluvia, vapor y velocidad pintado en (1844), donde los objetos son vagamente reconocibles.

Lluvia, vapor y velocidad

Turner, junto con John Constable, fue un estandarte de la pintura inglesa en sus útimos años, y fue popular en Francia también. Los impresionistas estudiaron cuidadosamente sus técnicas, para dilucidar el poder de sus lienzos. En la era del arte moderno, hasta el arte abstracto se ha visto influenciado por él.

 Pablo Picasso

Guitarra y botella de "Bass"

1913. Elementos de madera. Papel. Carboncillo y clavo sobre panel de madera. 89.5 x 80 x 14 cm. Musée Picasso. París. Francia.
Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista.
El collage es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado. El término se aplica sobre todo a la pintura, pero por extensión se puede referir a cualquier otra manifestación artística, como la música, el cine, la literatura o el videoclip. Viene del francés coller, que significa pegar.

En pintura, un 'Collaje' se puede componer enteramente o solo en parte de fotografías, madera, piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc. Aunque se considera que fue Picasso quien inventó el collage en 1912 con su pintura Naturaleza muerta con silla de rejilla,

Picasso había pegado fotografías a sus dibujos en fechas tan tempranas como 1899, y en la primavera de 1912 incorporó hule en forma de rejilla a su citada pintura Naturaleza muerta con silla de rejilla.
Pero Braque realizó a finales del verano de aquel año los primeros papiers collés al incorporar a sus obras recortes de papel pintado comercial que imitaba madera, uno de cuyos ejemplos es Tête de femme (1912). Los dos se lanzaron a introducir en sus pinturas recortes de diarios o revistas, etiquetas de licores o cigarrillos, y también papeles coloreados. Juan Gris rápidamente entendió la potencia del hallazgo y lo empleó también. El Futurismo lo adaptó también sin problemas -hay ejemplos de Carlo Carrà y Giacomo Balla- y los dadaístas multiplicaron sus posibilidades expresivas y conceptuales de la mano de Hans Arp, Marcel Duchamp, Hanna Hoch, Kurt Schwitters o George Grosz. De hecho, los dadaístas berlineses, que reivindicaban para sí mismos la denominación de "montadores" frente a la épica del "artista", se consideran los inventores del fotomontaje, una técnica realizada a partir de la fotografía en combinación o no con la tipografía impresa, en la que los vanguardistas rusos, como El Lissitzky, Aleksandr Ródchenko o Solomon Telingater, fueron auténticos maestros.


Kurt Schwitters

Aleksandr Ródchenko

  Antonio Tàpies

Collage del papel moneda,

Dos peus

Collage de arroz y cuerdas

Composición

Antoni Tàpies i Puig, marqués de Tàpies (Barcelona, 13 de diciembre de 1923) es un pintor, escultor y teórico del arte español. Uno de los principales exponentes a nivel mundial del informalismo. Representante de la llamada “pintura matérica”, Tàpies utiliza para sus obras materiales que no están considerados como artísticos, sino más bien de reciclaje o de desecho, como pueden ser cuerdas, papel o polvo de mármol. Está considerado como uno de los más destacados artistas españoles del siglo XX.
De formación autodidacta, Tàpies ha creado un estilo propio dentro del arte de vanguardia del siglo XX, en el que se combinan la tradición y la innovación dentro de un estilo abstracto pero lleno de simbolismo, dando gran relevancia al sustrato material de la obra. Cabe destacar el marcado sentido espiritual dado por el artista a su obra, donde el soporte material trasciende su estado para significar un profundo análisis de la condición humana.



Jorge de la vega
LA NUEVA FIGURACIÓN

"Images" 1966.
162 x 196 cm.Técnica mixta sobre tela. Colección Jorge y Marion Helft, Buenos Aires

   
 

"Danza de Montaña" 1963

196 x 130 cm. Técnica mixta sobre tela. Colección Jorge y Marion Helft, Buenos Aires.

Music Hall, 1963, técnica mixta s/ tela

260 x 195 cm

Museo de Arte Contemporáneo

Buenos Aires, Argentina.

Como parte de un movimiento internacional, a comienzos de la década del 60 la pintura de caballete deja de ocupar el lugar central y surgen diversas prácticas artísticas, como el objeto, las instalaciones, los ensamblajes, las ambientaciones y el arte de acción. Jorge de la Vega crea su serie Bestiario (1963-1966), pinturas-collages que incorporan materiales diversos como fichas, restos de espejos, telas, que se mezclan con la pintura. Estas propuestas se alinean con una variedad de experiencias efectuadas por otros artistas contemporáneos, como los del grupo de Arte Destructivo1(1961), quienes trabajaban con la idea de la destrucción y el desecho. Por esos años también Antonio Berni comenzaba su serie de los monstruos y los cuadros-ensamblajes de Juanito Laguna y Ramona Montiel, hechos con materiales de descarte. Por otra parte, a mediados de los 60, una nueva generación de artistas –irónicos y propensos a jugar con los sentidos–, ligados al pop y nucleados en el Instituto Di Tella, se declaraba harta de los valores y seriedad de la cultura oficial. En ese espacio Marta Minujín realiza ¡Revuélquese y viva! (1964), una construcción habitable cubierta de colchones multicolores que invitaba al público a jugar. Simultáneamente, músicos como Jorge Schussheim, Marikena Monti y Nacha Guevara, entre otros, buscaban quebrar con la formalidad del momento con canciones que invitaban al humor y a la reflexión crítica. Junto a ellos, De la Vega protagoniza esta movida cultural llevando sus espectáculos a teatros, cafés concert, galerías o espacios improvisados. Con su sentido del humor y una aparente ingenuidad infantil, en septiembre de 1970, en la galería Carmen Waugh, De la Vega presenta Rompecabezas, una exposición-concert donde el propio artista, subido a un escenario, desarrolla un show con monólogos y canciones delante de sus pinturas. Tanto las letras de sus canciones como las imágenes de sus cuadros, a través de la ironía, critican los valores y la sociedad de la época: “Nos adaptamos a estar sonrientes / aunque seamos indiferentes, / nos adaptamos a los parientes / a los ministros y al presidente”, dice en la letra de Inadaptación.